EL BLANCO EN EL RETRATO

                Según el hinduismo el mundo nació puro, de un mar de leche.

   De ahí que limpio, inocente, sin mancha, esterilizado, albo, inmaculado, nacarado, níveo, etc, etc, encabecen un larguísimo listado de sinónimos para referirnos al color blanco. Y si deseamos buscar su simbolismo en el retrato, no será menor la paleta de que dispondremos. 

  Atrapando la luz, Rubens nos dejó clara su intención al dejar desnudo el blanco cuerpo de Eurídice, la ninfa de los valles de Tracia que enamoró a Orfeo, hijo de Apolo. Tras hacerla su esposa, varias desdichadas circunstancias la arrojaron al inframundo y otras varias llevaron a Orfeo a lograr rescatarla de allí. Pero la condición de los dioses para permitirles esa resurrección pasaba porque el esposo caminara delante de ella llevándola de la mano sin nunca mirarla. Hasta que, salida de los infiernos al exterior, la luz del sol hubiera bañado completamente todo su cuerpo.  

  Una vez los dos bajo los rayos matutinos, loco de alegría por haber recuperado a su amada, Orfeo se volvió hacia Eurídice para abrazarla sin darse cuenta de que uno de los pies de la ninfa aún no había salido de las tinieblas a la luz. Ante sus ojos, volatilizándose, Eurídice desapareció. Dejando para la posteridad uno de los más bellos pasajes de la mitología griega, que Ovidio recogió en sus Metamorfosis.   

Huyendo de Hades y Perséfone, con el Can Cerbero a sus pies reposando las tres cabezas.
 Orfeo y la lira. Eurídice con el pie en la oscuridad. Rubens, 1638.

Marlene Dumas. La imagen como una carga.

ANCLADAS, MIL PINCELADAS DE NIEVE

Publicado en Gaudí y Más. 9 de noviembre de 2019

                                              
                                            A propósito he colocado bajo la obra de Rubens otra de Marlene Dumas para contrastar cómo puede conseguirse la unidad de propósitos partiendo de dos conceptos que no pueden ser más dispares. La virginidad del blanco, en manos adecuadas que muevan la luz podrá cambiar por completo el interrogante latente en el artista, siempre dispuesto a resaltar un determinado motivo.  

   Por lo general esa incidencia provendrá de una fuente natural exterior. Sol, luna, o del haz luminoso producido por cualquier elemento artificial. Sin olvidar la simple ausencia de ropas en los cuerpos, la exposición de la piel ha sido tradicionalmente un excelente foco de atracción para acaparar el protagonismo de un cuadro.

Augustus John. Poppet, hija del pintor 

El embarcadero. Anders Zorn

Goya y su Duquesa de Alba

 Clotilde, mujer de Sorolla. Sujetando un sombrero, su hija María

                                            Un paseo por la intención del pintor nos llevará a descubrir qué juegos propone con toques maestros sobre las telas. Velos de Boticelli en un óleo. Un fragmento de El estudio de Coubert nos dirá cómo se las arregla el artista para introducir a Eros en la sobriedad de su atelier destacando a su musa con el sólo reflector natural del blanco, mientras a la derecha lee Baudelaire. 

   El lienzo con que Sorolla emboza a la mujer marroquí. La lencería descrita libremente por Goya con espesas pinceladas que muestran más que ocultan las gracias de la Maja vestida, mientras que en su versión Desnuda, la carne será protagonista de una mayúscula lección de arte. Compensando lo explícito de un tema que nada vela, con pinceladas de una extrema elegancia, el genio aragonés conseguirá la tectura de una piel traslúcida gracias a la delicadeza de su tratamiento. 

Boticelli y su Alegoría de la Primavera 

                                                             Chispeando una copa de champán, Francesc Masriera nos trae una Colombina vestida de blanco con sus pompones dorados y un corsé. La misma prenda, en negro, con que Tolouse-Lautrec recubre a la cocotte de blusa y sayas blancas, mientras la joven sirvienta de Nicolás-Bernard Lepicier se levanta de la cama, brillando entre sus alegres  compañeras a pesar del triste blanco que la envuelve.

La copa de champán, de Francesc Masriera

Tolouse-Lautrec

Levantándose por la mañana. Nicolás-Bernard Lepicier

                                     
                                            Joaquín Sorolla se sirvió del blanco en sus telas para varios fines. Remarcando la inocencia de la infancia con su natural alegría y actividad por medio de un elemental toque de camisa, sólo una pincelada de su color favorito y el cuadro quedaba firmado. Pero no sólo en esas circunstancias, sino en otras muchas:  _El mar cambia de humor... -solía decir el pintor para explicar su utilización en tan diversos campos como lo hicieron él y sus contemporáneos hacedores de luz.

   

                                                     

                                      

Galería de blancos y niños marinos en las playas valencianas, por Sorolla

                                           El hogar. 

   Un territorio donde los pintores del blanco siempre se han sentido a gusto. En la intimidad de su entorno, ya fuese un visitante o alguien del servicio, el hedonismo relajado en la plácida hora de un café, la salida del baño doméstico de unos pequeños así como las tareas rutinarias de los trabajadores vecinos, harán centellear la gama de luz con minúsculo fulgor en su choque con las telas, o con el agua, transportándonos hacia instantes felices.    

Aº García Peris, conocido fotógrafo suegro de Sorolla, pintado por él ante la casa

La esposa del pìntor Sorolla y sus hijos, Joaquín Sorolla

Interior al aire libre, de Ramón Casas

La costurera, Santiago Rusiñol

Cosiendo la vela, Sorolla

                                  A la vez, basándose en la utilización que ciertas culturas hacen del blanco como expresión de duelo, el pintor valenciano y sus coetáneos utilizaron su simbolismo ampliándolo al dolor y la enfermedad, sobre todo en personajes jóvenes. Potenciando con él la sensación de sufrimiento, no sólo del protagonista y sus acompañantes, de la misma manera lograron captar su impacto  a través de la mirada del observador.    

Christian Krohg, La niña enferma.

La visita de la madre, Enrique Paternina

Maternidad. Aquí Sorolla plasmó el agotamiento de madre e hija tras el parto.

La convaleciente, Santiago Rusiñol (Ramón Muñoz.Flickr)

El enfermo crónico, Santiago Rusiñol.

                                                  

                                 Especial mención merecen la serie de pinturas que Sorolla dedicó a su hija María, siguiéndola en su adolescencia y juventud a través de las diversas fases de la tuberculosis que padeció. Inicio, dolencia, gravedad, y una luminosa curación y recuperación, dejan constancia de que a veces la ilusión de una vocación, como fue la pintura para la joven, puede ser un excelente acicate para luchar por la sanación.

  Con este pensamiento finalizo la entrada de hoy. 

 Dedicándola a todos los que en estos días se encuentran inmersos en la enfermedad, a ellos y a sus familiares, deseándoles mucha fuerza. Desde este rincón les enviamos toda la suerte del mundo.

La serie de retratos de Sorolla a su hija María, durante el largo proceso de la
enfermedad, y ya fuera de peligro. Sobre estas líneas, un cuadro de la pintora.

Ana Mª Ferrin